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sábado, 13 de febrero de 2021

Cien años de "El pibe"

 








Las monjas del colegio franciscano donde me inscribieron mis padres para educarme, o para darle respiro a mi madre y pueda encargarse de mis hermanos menores, tenían la sana costumbre de llevarnos a sesiones de cine que las realizaban en un salón de la Catedral de los curas franciscanos. En ese salón de la catedral de Camiri (Santa Cruz, Bolivia), en pleno infierno verde, conocí a Chaplin y vi por vez primera “El pibe”.

Hoy se conmemoran cien años de su estreno, se tuvo un preestreno el 16 de enero de 1921 y su estreno formal el 6 de febrero, llegando a convertirse en  una de las películas más conmovedoras del cine: The kid. El chico o El pibe, como se la conoce en Sudamérica, es una película muda dirigida por Charles Chaplin y estrenada el 6 de febrero de 1921. Clasificada dentro del género dramático está inspirada en la propia infancia oscura que vivió el director en las calles londinenses.

El inicio de la película con el lema: “Una película que le sacará una sonrisa y, quizá, una lágrima”, es una autodefinición de la propia película previo a que el espectador observa las primeras imágenes, algo que ningún director se atrevería a hacer hasta el día de hoy.

“El Pibe” debe ser una de las pocas películas, o tal vez la única, de Chaplin en el que el coprotagonista llenaba la pantalla con luces propias, con ternura que sacaba las sonrisas y la lágrima que el propio director había prometido en el principio de su film.

Chaplin tenía el control total del film ya que la película fue escrita, dirigida, producida, musicalizada, montada  y protagonizada por el propio Chaplin. En ella Chaplin demostrará sus posibilidades como narrador no solo como protagonista del golpe y porrazo.

Chaplin crearía el film alrededor de un dulce Jackie Coogan que actuaba en teatrillos junto a su padre, lugar donde el director lo conocería y quedaría prendado del pequeño, tanto, como para escribir todo un film alrededor del personaje que desarrollaría el niño y acompañaría a “Charlot

Fue el primer largometraje de Chaplin en el que se sentarían las bases de su filmografía, y en los subsiguientes encontraremos escenas de las duplas con Chaplin como la escena final de “Luces de ciudad”

La historia que la película desarrolla es simple, sin giros complejos ni dramáticos: una muchacha (Edna Purviance) no puede criar a su hijo recién nacido y lo deja en el auto de una familia rica. Pero justo cuando se arrepiente, el niño es recogido por  Chaplin, quien lo cría entre miseria, picardía y mucha ternura. La historia tendrá momentos dramáticos pero todo al final se resolverá de una manera reconfortante.

El film es tan solo la historia de la amistad entre un niño con dulce mirada y un adulto con alma de niño.

Como no recomendarla para verla una y otra vez, y mejor aun hoy que fue restaurada.

lunes, 6 de julio de 2020

Hasta siempre Ennio



"Io Ennio Morricone sono morto." Así encabeza el obituario del compositor italiano fallecido el día de hoy. Un obituario que se convirtió en una carta de amor y una despedida del hombre que puso melodías al "western made in italy"
El maestro romano es culpable de que no podamos dejar de lado las imágenes de una banda sonora; sus inicios en el cine comenzarán con la película "El Federal", será con Sergio Leone - amigo de la infancia -  con quien Morricone logrará hacernos ingresar a la historia a través de la música;  cómo olvidar los silbidos de "Por unos dólares más" el origen del spaghetti western, las melodías de "El bueno, el malo y el feo" entre sus partituras más conocidas. 
Su carrera continuará en películas memorables como la de Brian De Palma "Los intocables" o las magníficas notas en  "La misión" de Roland Joffé. Imposible olvidar las melodías de "Cinema paradiso" del maestro Giuseppe Tornatore con quien colaboraría en todas sus películas, o films como "Novecento" de Bernardo Bertolucci, un canto a la Italia dividida siempre en norte y sur.
Morricone partiocipó en más de un centenar de películas, cambió la forma de ver el cine llevándonos no solo a través de las imágenes sino mediante la banda sonora. Trabajó con directores de la talla de De Palma, de Tornatore, Bertolucci, Tarantino.
Hoy la música y el cine le dicen hasta siempre Ennio y gracias.


sábado, 4 de abril de 2020

Fellini, la dolce vita y la forma "fellinesca" de hacer cine







Este año se cumplen 100 años del nacimiento de uno de los más grandes directores que ha tenido la cinematografía: Federico Fellini. Nacido el 20 de enero de 1920 en Rimini (Italia) 

Sus primeros pasos profesionales los dio como dibujante para las revistas satíricas Il 420 y Marco Aurelio. Será el guionista de Flash Gordon cuando el gobierno fascista prohibía el ingreso de cómics a Italia. Con el pretexto de estudiar Derecho se trasladará a Roma, siendo su verdadera intención dedicarse a periodista. Luego tendrá in breve paso como escritor de programas de radio donde será el escritor de la serie Cico y Pallina.

Su ingreso al cine se hará a través de contactos como Roberto Rossellini, al cual Fellini considerará su gran maestro, de esta amistad saldrá el film Roma, cittá aperta.

En 1951 realizará su primer film Il seicco bianco (El jefe blanco) en el rodaje de esta película Fellini conocerá a quien le realizará toda la composición musical de sus filmes Nino Rota.
Para 1954 realizar La strada  protagonizada por su esposa Giulleta Masina y Anthony Quinn quien con este film verá despegar su carrera fílmica. La película supone un reflejo del neorrealismo italiano iniciado por Rosellini, muestra a dos personajes con una relación autodestructiva a la vez grotescos dándoles un aire de fantasía.

Estas tres características darán la creación al término “fellinesco”; es decir: autodestrucción del personaje; personalidad grotesca y seres fantásticos y extravagantes. Estos personajes se repetirán en Amarcord u Otto e mezzo (8 y ½)

Por otro lado, La dolce vita, tal vez su obra más polémica para su tiempo, marcará el hecho que Fellini abandone a sus arquetípicos personajes “fellinescos” y se centre en fiestas mostrando una Roma moderna. En la dolce vita surgirá una nueva colaboración que perdurará en el tiempo la de Marcello Mastroianni.

La dolce vita relata una serie de noches y mañanas en Roma vistas desde el punto de vista particular de su personaje principal Marcello Rubini interpretado por Mastroianni, un periodista que va acompañado de su fotógrafo Paparazzo, del apellido de este personaje saldrá el oficio de paparazzi. La película, recordada por la escena de Anita Ekberg en la Fontana de Trevi, fue prohibida en varios países luego de que el Observatorio del Vaticano (diario principal de la Santa Sede) lo calificara con contenido obsceno. Podríamos decir que La dolce vita le da a Fellini la resonancia y fama internacional.

La madurez como director llegará a principios de los 70 cuando Fellini realice un marcado distanciamiento con la crítica, además de la pérdida de rentabilidad para el mercado con sus películas debido a la supremacía de los estudios norteamericanos.

En este período filmará películas como Satyricon, Roma, Amarcord, Y la nave vá,  y Ginger y Fred. 

Amarcord, relata la historia de los personajes de una ciudad ficticia llamada Borgo, basada en Rimini ciudad de nacimiento de Fellini. La película será ganadora de un Oscar a mejor película extranjera.

Roma, muestra a la capital italiana como una ciudad contradictoria en el transcurso de sus escenas, con personajes diferentes o heterogéneos, interesante es el desfile de moda eclesiástica que presenta siempre con el estilo de sátira marca de Fellini.

Y la nave va, es una historia sobre el mundo de la ópera reflejado en la lucha de poder de la Italia de principios del siglo XX. Refleja a personalidades de la alta sociedad europea en un viaje a una isla llevando las cenizas de una diva de la ópera. El filme es una sátira sobre las rivalidades que se puede encontrar entre los diferentes cantantes de una ópera o entre las prime donne.

Ginger y Fred, la última película en que compartirán créditos Mastroianni y Masina con Fellini narra la historia de dos bailarines de avanzada edad a quienes los invitan para participar de un programa televisivo especial para la Navidad. Un film de madurez pura.

Fellini fue un maestro de la cámara, un truccatore del cine.

miércoles, 19 de junio de 2019

Adios Franco Zeffirelli


Getty Images

Tenía seis años cuando conocí el cine de Zeffirelli sin saber que era él el autor, pues no prestaba atención a quien dirigía ni quien actuaba; mi acercamiento a Zeffirelli fue a través de dos películas: la primera Hermano Sol Hermana Luna y la segunda El Campeón; años después vine a enterarme  enteré que fue el maestro italiano el orfebre de las mencionas películas, luego tuve la oportunidad de ver una de sus mejores obras Jesús de Nazareth, serie que le da un rostro a Jesús, no olvidemos que hasta ese momento la Iglesia prohibía  o censuraba a las películas que osaban mostrar el rostro de Cristo.
La que más me marcó hasta el día de hoy fue El Campeón, una historia simple sobre personajes sencillos como TJ y Billy interpretados por Ricky Schroder y un consagrado Jon Voight ; hasta hoy recuerdo el llanto del pequeño TJ sobre el cuerpo de Billy rogándole que se levante en un cuarto totalmente gris con poca iluminación, los expertos dicen que es la escena más triste que se vio en el cine. Y si, lloré junto a TJ.
Por su parte, Hermano Sol Hermana Luna retrata la vida de San Francisco de Asís y sus peripecias para crear su orden; se ve un Francisco joven como lo fue el santo en la realidad, una puesta en escena que recrea el ambiente medieval italiano de la época; esta puesta en escena será el arte del maestro italiano desde el momento que la utilizó por primera vez en la ópera Lucia di Lammermoor estrenada en 1960 en el Royal Opera House de Londres.
La estética operística de Zeffirelli lo acompañaría en todas sus películas, de ahí que en ellas siempre encontremos un reparto coral y una cámara que se limita a presenciar los hechos para dejar que sea el espectador el que lleve la narración.
En fin se fue un grande que me hizo gustar el cine y amarlo. Hasta pronto maestro.


martes, 30 de agosto de 2016

Se fue Gene Wilder llevándose a Willy


Nos dejó el zorro, el joven Frankestein, el muchacho que iba detrás de la dama de rojo, aquel simple hombre enamorado de un ovino, el nervioso ladrón en Superman, el implacable Willy Wonka de nuestra niñez, un verdadero ícono de la cultura popular; el actor que no necesitaba de maquillajes para representar a sus personajes nos ha dejado a la edad de 83 años; dice la nota:

El actor estadounidense Gene Wilder, inolvidable intérprete de "Willy Wonka y la fábrica de chocolate" y uno de los rostros habituales de las desenfrenadas comedias de Mel Brooks, falleció este lunes a los 83 años, anunció un miembro de su familia. Wilder murió a causa de la enfermedad de Alzheimer en su residencia en Stamford, Connecticut (noreste de Estados Unidos), anunció su sobrino Jordan Walker-Pearlman en un comunicado. "Es con indescriptible tristeza y melancolía, pero con gratitud espiritual por la vida que vivió que anuncio el fallecimiento del esposo, padre, y artista universal Gene Wilder", indicó Walker-Pearlman. Su sobrino precisó que Wilder sufría esta patología desde hace tres años y que había decidido "guardar el secreto" sobre su estado para "proteger" la sonrisa de los niños con los que se cruzaba. Wilder fue nominado a los Óscar por su papel en "Los productores" (1968) y por haber coescrito el guión de "El joven Frankenstein" (1974), dos películas de Brooks. El comediante, cuya tercera esposa, Gilda Radner, murió de cáncer de ovario, fue tratado por linfoma en 2000. Wilder comenzó su carrera de actor en la obra de teatro "Roots" en 1961 y debutó en el cine en 1967 en la película de Arthur Penn "Bonnie y Clyde" en el papel del director de funeraria Eugene Grizzard, quien es raptado por la pareja. La crítica y el público lo aclamaron por su papel de "Waco Kid" en la tercera cinta de Brooks, la parodia de un western y éxito de taquilla "Sillas de montar calientes" (1974). Sin embargo, fue su papel de "Willy Wonka", el excéntrico dueño de la fábrica de chocolate de la película musical de 1971 basada en el libro de Roald Dahl "Charlie y la fábrica de chocolate", que lo transformó a Wilder, cuyo verdadero nombre era Jerome Silberman, en estrella de cine. Brooks y Wilder escribieron juntos el guión del siguiente filme del director, "El joven Frankenstein", una burla de las películas de terror de la década de 1930. Wilder coprotagonizó junto a Richard Pryor la comedia "El expreso de Chicago" (1976) y en "Locos de remate" (1980). Su último papel importante fue en una versión para televisión de la película "Alicia en el país de las maravillas" a finales de 1990, en la que también trabajaron Ben Kingsley y Martin Short. "Gene Wilder, uno de los verdaderos grandes talentos de nuestro tiempo. Bendijo cada película que hicimos con su magia y a mí me bendijo con su amistad", escribió Brooks en Twitter.

jueves, 3 de septiembre de 2015

miércoles, 6 de mayo de 2015

Orson Welles a cien años


Tal vez en la historia del cine, este grande hombre, ha dejado escenas míticas: la iluminación de Ciudadano K, el contrapicado de la misma, el incio de Sed de Mal, entre otras; pero su magia no se limitó a las cámaras, lo hizo en el teatro y en la radio con su mítica adaptaciónn de la Guerra de los mundos de H. G. Wells, hoy se recuerda el centenario de su nacimiento. Aquí la nota:
Hoy cumpliría cien años. No hay que hacer esfuerzos proteicos para imaginar su aspecto. Con Welles tengo la sensación de que nunca fue joven ni viejo, de que no tenía edad o de que podía aparentar la que le diera la gana, que siempre fue una cosa tan insólita como impresionante que respondía al nombre de Orson Welles, que no necesitó aprender ni evolucionar, que su personalidad y su inteligencia no tuvieron alteraciones, que fue deslumbrante, complejo y bendecido por el arte más poderoso desde su niñez y así hasta el final. Seguramente, habitarían en alguien tan especial las luces y la tinieblas e imagino que podría llegar a resultar desesperante muchas veces para la gente que financiaba su creatividad pero también que, como el personaje de Alida Valli en El tercer hombre, el cine seguiría en deuda permanente con él y enamorado de su grandiosa e inquietante figura, aunque los hechos nos confirmaran algo tan monstruoso como que pretendió hacerse rico en el mercado negro adulterando la penicilina y dejando tullidos a niños en aquella Viena devastada por la guerra.
Sigue leyendo aquí

Debajo la escena secuencia de la película Sed de mal:

lunes, 24 de junio de 2013

Las bibliotecas más bonitas del cine 4

Continuando con la serie, les presento la biblioteca de la película "El nombre de la rosa" con Sean Connery:

miércoles, 19 de junio de 2013

Las bibliotecas más bonitas del cine 3

Siguiendo con la serie de las bibliotecas de cine, les presento la biblioteca de la película de Disney "La Bella y la Bestia"

jueves, 13 de junio de 2013

Las bibliotecas más bonitas del cine 2

Continuando con la serie, les presento la biblioteca del cortometraje animado ganador del Oscar "The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" lastimosamente no se pudo ver en Bolivia (solo de contrabando):


miércoles, 12 de junio de 2013

Las bibliotecas más bonitas del cine

Desde hoy presentaremos una selección de las bibliotecas más bonitas del cine:

La primera, la biblioteca de "Conoces a Joe Black?":

lunes, 3 de septiembre de 2012

Más votaciones de cine

El Blog literario y cultural de El País (España) Babelia, a falta de notas literarias publica una sobre votaciones cinéfilas, sigue el enlace para realizar tu votación: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/09/03/actualidad/1346651926_987109.html

50 mejores películas de la historia del cine


8 1/2 de Fellini

Una nota de Página Siete sobre las mejores películas  ségun tres directores de cine: Scorsese, Allen y Tarantino, lee la nota:
La revista Sight & Sound, que adora las encuestas, se ha propuesto conocer cuáles son las 50 mejores películas de la historia del cine. Para llegar a tan difícil objetivo, ha remitido una pregunta a 846 críticos de todo el mundo; los resultadoshan encumbrado a Vértigo, de Alfred Hitchcock, lo cual destronó a Citizen Kane de Orson Welles. La revista solicitó, además, a 358 directores contemporáneos de cine que nombraran sus diez filmes favoritos. Los más prestigiosos realizadores elaboraron listas de hasta 12 películas. Las respuestas son dispares, pero hay coincidencias básicas. Por ejemplo, en las listas de Martin Scorsese, Woody Allen y Quentin Tarantino.
Martin Scorsese es un gran cinéfilo y, para comprobarlo, sólo es preciso leer la lista de sus películas preferidas, que denota un profundo conocimiento de la historia del celuloide: 1. 8 ½ (1963), Federico Fellini. 2. 2001: A Space Odyssey (2001: Una odisea del espacio, 1968), Stanley Kubrick. 3. Ashes And Diamonds (Cenizas y diamantes, 1958), Andrzej Wajda. 4. Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1941), Orson Welles. 5. The Leopard (El gatopardo, 1963), Luchino Visconti. 6. Paisá (1946), Roberto Rossellini. 7. The Red Shoes (Los zapatos rojos, 1948), Michael Powell & Emeric Pressburger. 8. The River (El río, 1951), Jean Renoir. 9. Salvatore Giuliano (1962), Francesco Rosi. 10. The Searchers (Centauros del desierto, 1956), John Ford. 11. Ugetsu Monogatari (Cuentos de la luna pálida de agosto, 1953), Kenji Mizoguchi. 12. Vértigo (1958), Alfred Hitchcock. Woody Allen Sight & Sound también ha publicado la lista de filmes favoritos del gran director Woody Allen, que es la siguiente: 1. Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948), Vittorio de Sica. 2. El séptimo sello (1957), Ingmar Bergman. 3. Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1941), Orson Welles. 4. Amarcord (1973), Federico Fellini. 5. 8 ½ (1963), Federico Fellini. 6. Le quatre cent coups (Los cuatrocientos golpes, 1959), Francois Truffaut. 7. Rashomon (1950), Akira Kurosawa. 8. La Grande Illusion (La gran ilusión, 1937), Jean Renoir. 9. El discreto encanto de la burguesía (1972), Luis Buñuel. 10. Paths Of Glory (Senderos de Gloria, 1957), Stanley Kubrick. Quentin Tarantino En la selección de Quentin Tarantino, de quien se asegura que ha renovado el lenguaje cinematográfico, hay filmes bizarros: 1. The Good, The Bad & The Ugly (El bueno, el feo y el malo, 1966), Sergio Leone. 2. Apocalypse Now (1979), Francis Ford Coppola. 3.The Bad News Bears (Los picarones, 1976), Michael Ritchie. 4. Carrie (1976), Brian DePalma. 5. Dazed And Confused (Movida del 76, 1993), Richard Linklater. 6. The Great Escape (La gran evasión, 1963), John Sturges. 7. His Girl Friday (Luna Nueva, 1940), Howard Hawks. 8. Jaws (Tiburón, 1975), Steven Spielberg. 9. Pretty Maids All In A Row (Querido profesor, 1971), Roger Vadim. 10. Rolling Thunder (El expreso de Corea, 1977), John Flynn. 11. Sorcerer (Carga maldita, 1977), William Friedkin. 12. Taxi Driver (1976), del director Martin Scorsese.

viernes, 15 de junio de 2012

50 años de "Lolita" de Kubrick

Han pasado 50 años desde que el genial Stanley Kubrick adaptara la novela "Lolita" de Nabokov para la pantalla grande, dice la nota de El País:
Acaba de cumplir 50 años y ahí sigue, provocando los deseos prohibidos del profesor Humbert, tomando el sol en el jardín de su casa y jugando, aparentemente de forma inocente, con su hula hoop. Es Lolita, el personaje creado por el escritor Vladimir Nabokov y que Stanley Kubrick trasladó a las pantallas en una película protagonizada por James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters y Peter Sellers. El martes pasado se celebró el 50 aniversario de su estreno. Con el recuerdo del escándalo que provocó, inauguramos hoy esta sección de video en la que, en colaboración con el canal de televisión TCM, recuperaremos entrevistas y reviviremos momentos clave de la historia del cine.
Enlace para el vídeo

lunes, 14 de mayo de 2012

Emir Kusturica publica sus memorias

Uno de los grandes directores europeos, cuya estética fascinante muestra la a veces hiperrealidad en la que vivimos, dice la nota de www.estandarte.com/

El director de cine Emir Kusturica publica sus memorias, ¿Dónde estoy en esta historia?, editadas en español en Península. Se trata de la memoria sentimental, política y cinematográfica de uno de los más grandes directores de cine de la segunda mitad del siglo XX, dos veces ganador de la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes. Historia, memoria, vivencias, películas, amores, familia, fracasos y éxitos, Cannes, Berlín, Yugoslavia, Serbia y la música… Escrito con la energía que caracteriza su obra, estas páginas son el apasionante repaso de una vida en marcha y una apuesta por el futuro. Sin duda, la mejor forma de acercarse a uno de los más brillantes directores de cine. Así comienza ¿Dónde estoy en esta historia?, las memorias de Kusturica: El hombre tiende a olvidar, y con el paso del tiempo el olvido se ha convertido en un arte fundamental de la especie humana. Si el olvido, ese gran señor, no atenuara los pensamientos apasionados, los convirtiera en razonables y los ordenara, nuestro cerebro sería un simple contenedor. Sin el olvido, ¿podríamos dirigir la mirada al futuro? ¿Qué pasaría si sintiéramos que de nuestra alma no deja de manar sufrimiento, si el olvido no cubriera los duros momentosde nuestra vida como las nubes ocultan el sol? Sería imposible sobrevivir.
Más información en:

Biografía
Web oficial (inglés)

miércoles, 30 de noviembre de 2011

J.K. Rowling al cine

Eres famoso y millonario, llegarás a las pantallas cinematográficas y muchos cinéfilos esnobistas te adorarán. La nota de La Razón:
Una biografía no autorizada de la creadora del éxito cinematográfico y literario Harry Potter se estrenará mañana por Studio Universal a las 23.00. J. K. Rowling saltó a la fama como la mujer que dio vida en sus textos al mago más famoso del mundo y pasó de desempleada a millonaria gracias a sus libros. La cinta Magic Beyond Words: The J. K. Rowling Story busca justamente dar detalles sobre cómo Joanne Katherine Rowling pasó de ser una mujer divorciada y sin trabajo, a tener una fortuna mayor a la de la Reina de Inglaterra, tras vender 400 millones de copias de sus libros sobre Harry Potter y su mágico mundo, informa el diario La Tercera. La cinta, protagonizada por Poppy Montgomery, revela detalles sobre cómo fue la infancia de la escritora en Inglaterra, cómo fue víctima de bullyng en su escuela, la enfermedad y muerte de su madre con esclerosis múltiple y un fallido matrimonio que la dejó pobre
Más información en:
Sobre la escritora

viernes, 25 de noviembre de 2011

Desde hoy y hasta el domingo: cine y vino en la Cinemateca

Una buena iniciativa de la Cinemateca Boliviana, la nota de La Razón:
Los amantes del buen vino y del cine tendrán la oportunidad de disfrutar de ambas aficiones gracias a la muestra Cine y Vinos que se desarrollará desde hoy hasta el domingo en la Cinemateca Boliviana (C. Óscar Soria 100). Durante los tres días de la muestra, se proyectarán las películas Un paseo por las nubes —de 1995, dirigida por Alfonso Arau y protagonizada por Keanu Reeves, Aitana Sánchez Gijón, Antonny Quinn y Giancarlo Giannini— Beber, comer y amar, obra de Ang Lee en 1994 y Tomates verdes fritos de Jon Avnet, protagonizada por Kathy Bates y Jessica Tandy. Antes de cada función, los asistentes serán recibidos con una copa de vino de una cepa que se relacionará con la película a verse. Además, el sommelier boliviano Alfredo Maximiliano Cuéllar explicará algunas consideraciones sobre los vinos y las bodegas bolivianas que los producen. Tras cada función los espectadores disfrutarán de una cata dirigida por Cuéllar, donde aprenderán a paladear vinos tintos, rosados y blancos producidos por las mejores bodegas de Bolivia. En esta muestra, el sommelier enseñará a combinar las comidas y los vinos, cuáles son mejores con carnes o pescados. También se expondrá sobre la historia del vino en Bolivia. Las funciones comienzan a las 19.00

lunes, 14 de noviembre de 2011

Periférica Boulevard del escritor paceño Adolfo Cárdenas al cine




Periférica Boulevard, un libro que relata sobre la oscura noche paceña será llevada al cine, saltan las preguntas: ¿quién dirigirá?, ¿quién producirá?, la nota de Página Siete:
Adolfo Cárdenas, autor de la novela Periférica Blvd., cuenta que ya recibió la propuesta de hacer un guión para adaptar su obra al cine. “Ya me han charlado para llevarla al cine”, comenta el autor. Cuenta que recibió la iniciativa de un guionista pero todavía no se confirmó nada, porque falta conseguir el apoyo de una productora cinematográfica. Con respecto al musical, el autor paceño confiesa que es una alegría que consideren su obra para ponerla en escena. “Tengo curiosidad de ver cómo adaptaron algunas partes de la trama”, expresa, pues él dio la autorización al elenco de Patas Arriba para que usen el primer capítulo de su novela. Cárdenas está sorprendido al enterarse de que habrá un CD con cinco canciones inspiradas en su novela. “En la obra hay unas partes que son musicalizadas y me parece interesante la idea”, comenta y sorprendido al admitir que nunca pensó que su obra llegaría a tener tanta aceptación entre los lectores.
Versión premiminar de la novela

lunes, 7 de noviembre de 2011

Festival de Cine europeo 2011 da inicio el 10 de noviembre

Como todos los años desde hace 11 versiones, el 10 de noviembre se dará inició al Festival de Cine Europeo, la nota de La Razón:
En Europa se producen buenos filmes, tanto documentales como de ficción, pero no llegan al circuito comercial, por eso, el FCE es una oportunidad única”, afirma Moya. La duodécima edición del festival trae más de 40 películas divididas en dos muestras, ficción y documental. Ambas se proyectarán en seis ciudades (La Paz, El Alto, Cochabamba, Santa Cruz, Sucre y Tarija), entre el 10 y el 24 de noviembre, informó Mary Carmen Molina, de Cinemas Cine, entidad gestionadora del FCE este año, a petición de los organizadores, el Grupo Europeo de Cultura. A partir de la próxima semana, La Razón presentará sinopsis y críticas de algunas cintas del festival, así como toda la información relacionada con éste en las seis ciudades donde se llevará a cabo. El jueves será la inauguración en La Paz con La extraña (2010), película alemana del director Feo Aladag, que cuenta la historia de Urmay, una mujer joven que se ha escapado de su desafortunada vida como esposa en Estambul y quiere empezar una vida feliz con su familia en Berlín (...)
Más información:
http://www.opinion.com.bo/opinion/ramona/2011/1106/suplementos.php?id=1846

jueves, 3 de noviembre de 2011

El film "Chuquiago" es declarado patrimonial

La película Chuquiago, del director Antonio Eguino, es declarada patrimonio, la nota de La Razón:
El objetivo de este nombramiento es, según explicó la directora de la Cinemateca Boliviana Nacional, Mela Márquez, llamar la atención sobre la producción y, de esta forma, conseguir el financiamiento necesario para su recuperación, restauración y conservación. “Los negativos de la película se encuentran perdidos en Estados Unidos. Para recuperarlos, necesitamos de una fuerte inversión económica. Al declarar Chuquiago filme patrimonial, ponemos un reflector sobre la producción y su importancia; esto nos ayudará”, manifestó Márquez. Al igual que otros realizadores, el director de la película, Antonio Eguino, tuvo que revelar Chuquiago en un laboratorio de Estados Unidos, donde se quedaron los negativos. Márquez agregó que espera que el próximo año la institución se dedique a esta tarea, que será precedida por la recuperación de material audiovisual que no se encuentra registrado en la Cinemateca, pero no han salido del país. Después del acto que se realizó anoche, se proyectó la cinta. La copia utilizada fue proporcionada por Eguino y tratada por técnicos de la Cinemateca. El cineasta se mostró complacido con el homenaje y recordó las circunstancias que rodearon la filmación. Originalmente, Eguino tenía el encargo de crear un documental acerca de la denominada “revolución universitaria”. El proyecto no se materializó, pero, durante el trabajo, surgió la semilla de la película. “Organicé grupos focales al azar. Tenía gente de toda la ciudad, ya que en aquella época no había la universidad privada. Me llamó la atención que las respuestas variaban mucho según el lugar de origen del entrevistado, lo que fue el génesis de las cuatro historias de la película”, finalizó. OPINIONES

Sergio Ramirez premio Bienal de Novela "Mario Vargas Llosa"

El escritor nicaragüense Sergio Ramirez se alza con el premio de la VI Bienal de Novela Mario Vargas Llosa con su obra "El caballo dora...